Laufende Vorhaben

(abgeschlossene Projekte s.u.)

Christian Koehn M.A.: Music, Myth, and Ritual among the Moken Sea Nomads : On the Contiguities of Aesthetic and Religious Experience in the Life-World of a Maritime Hunter-Gatherer People


Most non-Western cultures do not have a philosophical aesthetics in our sense of the term. They, nevertheless, doubtlessly have an, in lieu of a better wording, ‘aesthetic sentiment’, an “unvoiced esthetic” (Roy Sieber 1959): certain attributions concerning the domain of what we call music that are both culturally and psychologically real, yet often radically different from our own. A range of ideas and practices that determine the way they make music, that shape their collective and individual attitudes and valuations towards certain forms of sound production; that characterize music-making as important and worthwhile; that bestow meaning and purpose to it; that define a sense of what is genuine and what is false.

In contrast to the law-governed, mechanical world of matter, “[m]an finds himself living in an aleatory world” (John Dewey 1925). Hence, all human societies through all ages appear to have developed imaginative, expressive, and creative means to confront the unpredictable whims of fate and the primal ur-fact of mortal existence itself. Historically evolved and culturally accepted forms of reflection and affirmation of communal life and individual being; an elementary Seinskritik: those manifestations that in Western modernity became subsumed under the terms religion and art. In the present thesis I shall propose that any approach towards what could be called a ‘trans-cultural aesthetics’ is at its core concerned with those phenomena that inform and shape thought, judgment, and conduct within these particular spheres of human world-making.

The Moken sea nomads of the Eastern Andaman Sea produce sounding expressions that we (i.e. peoplethat were, like myself, brought up in the ‘Western’ tradition) would without much hesitation label as music. The Moken themselves, however, do not have a word for music in our sense of the term; no similar conceptual category; no word that takes as its referent a coherent, integrative domain of ‘Tonkunst’ (or something to that effect) and that, hence, could be taken as the designator of an autonomous object of aesthetic valuation.

I shall attempt to propose an interpretive framework to elucidate some possible reasons underlying the fact that the Moken as well as many other, perhaps even most, cultures around the world do not conceptualize the phenomenon we call music in the same way we do. I shall proceed from the assumption that in every society music has its ‘place’ (or its ‘places’) within the richly textured fabric of culture, both as a concept, or set of concepts (though these concepts might not at all be the same as ours), and as an activity, or range of activities (though these activities might not resemble our activities). I shall further assume that there are spheres or domains within each particular culture that music is more easily associated or more directly connected with than others. Hence, I will be inquiring after the cultural ‘situatedness’ of music, in the form of its ‘relatedness’ and ‘aboutness’ with regard to other socio-cultural beliefs and practices and their according behavioral, ideational and conceptual domains, asking, with David McAllester, “what music is conceived to be” (1954).

In the life-world of the sea nomads what we call music is tightly interwoven with those cultural spheres that we would refer to as ‘myth’ (i.e. something like ‘foundational and meaning-endowing traditional narratives’) and ‘ritual’ (i.e. something akin to ‘the communal acting-out of collective beliefs’). The contiguities between these conceptual and ideational domains that inform and govern expressive behavior related to sound among the Moken are the central subject of the present thesis.

Georg Alkofer M.A.: Pat Metheny – Stilkritische Analyse von Improvisation, Komposition, Spieltechnik und Klangästhetik


Die Dissertation untersucht die Musik des US-amerikanischen Gitarristen und Komponisten Pat Metheny, der seit Mitte der 1970er Jahre als einer der wichtigsten Protagonisten des zeitgenössischen Jazz gilt. Auf Basis mitunter völlig disparater Stile wie Bebop, Free Jazz, Minimal Music, Pop, Klassik, Fusion, Jazz-Rock, Folk, New Age und brasilianischer Musik entwirft er seit Beginn seiner Laufbahn einen dezidiert persönlichen Klangkosmos. Die Untersuchung richtet sich auf die spezifischen Charakteristika und Gestaltungsmittel von Methenys improvisatorischem und kompositorischem Personalstil sowie auf die stilistische und musikhistorische Einordnung seines Schaffens. Eingebettet in den kulturellen und biographischen Kontext werden dazu exemplarische Aufnahmen transkribiert und auf Basis eines Kriterienkatalogs musikalischer Parameter, der u.a. die Aspekte Harmonik, Rhythmik, Melodik, Phrasierung und Spieltechnik enthält, analysiert. Schließlich bedingt die stilanalytische Konzeption der Arbeit auch die Untersuchung der spezifischen Klanggestaltung die Metheny mittels zahlloser selbstkonzipierter Instrumente, eigenen Gitarrenstimmungen, Effektgeräten und elektronischen Gerätschaften, wie beispielsweise Gitarrensynthesizern, realisiert.

Die Arbeit wird von Herrn Prof. Dr. Martin Pfleiderer betreut.

Maria Ximena Alvarado Burbano M.A.: Musical Aesthetic Analysis of two Traditional Rhythms from the South Pacific Region of Colombia: Juga and Bunde


The Juga and the Bunde are two traditional rhythms from the South Pacific region of Colombia, specifically from the southern Pacific coast. The Juga and the Bunde rhythms are  played by Marimba de Chonta ensembles, which are composed of drums (percussion), cununos (percussion), guasá (idiophone), marimba de chonta (percussion) and voices.
These two traditional rhythms are marked by a strong African influence, present both in their musical characteristics as well as in their performance. In this regard, the influence of African culture is seen in the organological characteristics, the rhythms, and the importance of the percussion in the Juga and the Bunde as well as in their symbolic and ritual aspects.
This research will be limited to the above-mentioned rhythms, and in particular to their development in the Colombian South Pacific area (the states of Valle del Cauca, Cauca and Nariño).
Furthermore, the research will analyze the aesthetic-musical characteristics of the Juga and the Bunde based on the work of Gerhard Kubik (1984) on African music and the work of Tiago de Oliveira Pinto (2001) on Afro-Brazilian music. These analyzes, starting from the study of musical-rhythmic elements such as: formal cycles, beat, time line pattern, among others, to arrive at the total understanding of the performance. According to Oliveira, in order to detect the structures that form traditional rhythms, an analysis that transcends that which is derived solely from listening to music is required. In this sense, the author establishes the need to understand not only the rational perception of music, but also its essence, "seeking in this way to reach the intelligible that lies behind the audible" (p.90).
Taking into account that these two genres have been passed down through oral tradition and that there is little written documentation of them, musical ethnography will be used for data collection. In this regard, it is important to mention that the music of the Colombian South Pacific area is not limited to sound phenomena: it also involves a great number of manifestations including dance, body, religion, beliefs, and territory, among others. Therefore, the ethnography will allow for the exploration, knowledge and appropriation of the categories as understood by the communities through direct experience with these same communities (Seeger, 2008).
Prior research conducted during my master's studies on traditional repertoires of the South Pacific of Colombia which shares many characteristics with the Juga and the Bunde, allows for the following reflections to be brought into consideration in the context of the current analysis:
  • The geographical, historical and social contexts are presented as a series of rings or events that lead to the musical performance (Turino, 1999);
  • The territory is conceived as a symbolic meeting place;
  • The importance of the collective for the survival of musical practice, which is converted into a tool of resistance and negation of forgetting of the past;
  • The effects produced by the processes of migration and mestizaje;
  • The role of the body as an emitter and transmitter of the musical manifestation;
  • The importance of ritual and the symbolic aspect as the axis that transverses the traditional musical performances of the region; 
The musical analysis proposed for this project will be based on the study of the Juga and the Bunde, with the aim of understanding the different manifestations that converge around a musical performance as they are understood by the community.

Die Arbeit wird von Prof. Dr. Tiago de Oliveira Pinto betreut.

Bibliographical References

KUBIK, G. The Emics of African Musical Rhythm. Cross Rhythms Occasional Papers in African Folklore/Music. Indiana University, Bloomington. v. 2. p. 26-66, 1985.

____. Pesquisa musical Africana dos dois lados do Atlântico: Algumas experiências e reflexões pessoais. Traducción: Tiago de Oliveira Pinto. In: Revista USP. n. 77, São Paulo, 2008, p. 90 – 97.

OLIVEIRA PINTO, Tiago de. Som e Música: Questões de uma antropologia sonora. Revista de Antropologia, São Paulo, vol. 44, no 1, 2001.

_____. As cores do som: Estruturas sonoras e concepção estética na música afro-brasileira. Revista do centro de estudos africanos. USP, São Paulo, p. 87-109, 2004.

SEEGER, A. Etnografia da Música. Cadernos de Campo. São Paulo, no. 17, p. 237, 260, 2008.

TURINO, T. Estrutura, contexto e estratégia na etnografia musical. Horizontes Antropológicos, Porto Alegre, v. 5, n. 11, p. 13-28, 1999.

Max Binder M.A.: Ernst Kurth und Sergej Taneev - Philosophien linearer Satztechniken zu Beginn des 20. Jahrhunderts


Währenddem lineare Satztechniken, im speziellen der Kontrapunkt, im Laufe der Jahrhunderte stetigem Wandel, der Anreicherung und Neuauslegung durch progressive musikalische Mittel unterlagen, ist die Lehre, so kann man festhalten, jene Entwicklungsschritte nicht konsequent mitgegangen. Methoden und Struktur der kontrapunktischen Lehre basieren in Teilen bis heute im wesentlichen auf Tinctoris (1477) und Fux (1725). Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erschienen zwei Werke, die aufgrund ihres monumentalen Umfangs und perspektivischen, universellen Ansatzes für diesen Zeitraum solitär stehen: "Der bewegbare Kontrapunkt des strengen Stils" von Sergej Taneev (1909) und "Grundlagen des linearen Kontrapunkts" von Ernst Kurth (1917). Ziel der Forschung ist in einem ersten Schritt eine vergleichende Gegenüberstellung beider, sowohl auf ästhetischer, ideologischer als auch auf didaktischer, struktureller Ebene, fundamental unterschiedlicher Auffassungen. Im zweiten Schritt soll in satztechnischen Analysen bemessen werden, inwieweit sich die Rezeption beider Philosophien in zeitgenössischen Kompositionen von beispielsweise Hindemith, Křenek, Schnabel auf der einen und Skrjabin, Saderatzki oder Medtner auf der anderen Seite widerspiegelt. Die Arbeit wird von Prof. Dr. Christiane Wiesenfeldt betreut.

Kontakt: max-binder(at)

Martin Breternitz M.A.: Jazz in der DDR – Musik, Szenen und Zwischentöne im Staatssozialismus am Beispiel der Region Thüringen


Jazz in der DDR war vielfältig, teils subversiv, oft nonkonformistisch und trug stets den Gedanken der Freiheit mit sich. Ihm gegenüber stand ein starrer Staatsapparat, dessen Kulturbehörden zwischen Repression, Kontrolle und Vereinnahmung changierten. Jazz war zu jedem Zeitpunkt der DDR-Geschichte gesellschaftlich, sowie künstlerisch vertreten, relevant, und bot ständige Reibungspunkte zwischen Staat und der dem Jazz geneigten Bevölkerung. Das Forschungsvorhaben untersucht mittels Theorien des Kulturtransfers die zeithistorischen Zusammenhänge, stilistische Aspekte und Aneignungsformen von Jazz einerseits, sowie andererseits die kulturbehördlichen Kontrollstrukturen und das Vorgehen gegen diese Musik und ihre Akteure. In einer breiten Regionalstudie über die Jazzszenen Thüringens, die sich aus Gemeinschaften und Netzwerken von Jazzfans und Jazzklubs konstituierten werden mit alltagsgeschichtlichem Zugang die Perspektiven von Menschen untersucht, die in einer Diktatur eigensinnig "ihre" Musik hören, aufführen und veranstalten wollten.

Omid Christoph Bürgin M.A.: „Historical Documents as Work of Art“. Koch-Grünbergs’s field recordings on Brazilian Indians between 1911 – 1913 and their transcriptions and analyses by Hornbostel as active creative performers and informants... the field of Ethnomusicology.


Die Arbeit wird von Prof. Dr. Tiago de Oliveira Pinto betreut.

Artjom Butyrev M.A.: Stilsynthese und musikalische Dramaturgie. Studien zu den Opern Wolfgang Amadeus Mozarts


Dass Wolfgang Amadeus Mozart in seinen Opern aus einem unerschöpflichen Fundus stilistischer Formen schöpfte, ohne dabei die musikalische Einheit zu gefährden, und gleichzeitig aus der Synthese verschiedener Stilarten einen dramatischen Sinn entwickelte, ist in der Forschung eine weit verbreitete Ansicht. Bisherige Studien, die sich mit diesem Thema befassten, haben sich vor allem auf die Vermischung von Gattungsstilen, wie Seria und Buffa, konzentriert. Diese Kategorien bilden jedoch ein zu grobes Raster um das ephemere Phänomen ‚Stil‘ in allen seinen Facetten greifen zu können und das Verfahren der Stilsynthese in allen ihren Details zu verstehen. Diese in Vorbereitung befindliche Dissertation nähert sich auf analytische Weise dem Aspekt der Stilsynthese in den Opern Wolfgang Amadeus Mozarts. Dabei wird zur Stilidentifikation und -klassifikation methodisch auf neueste Erkenntnisse der Topic Theory sowie auf das von Robert O. Gjerdingen erarbeitete Repertoire galanter Schemata zurückgegriffen. An exemplarisch ausgewählten Szenen werden das Wechselspiel verschiedener Stilarten und -elemente sowie die daraus resultierenden musikdramaturgischen Konsequenzen untersucht.

Diplom-Staatswissenschaftler Univ. Rico Chmelik: Zwischen Selbst- und Fremdbestimmung: Perspektiven der Wirksamkeit Auswärtiger Kulturpolitik der Bundesrepublik Deutschland als präventives und nachsorgendes Instrument in Krisenregionen


Die Doktorarbeit gibt einen Überblick über die Entstehung, Bedingungen und Auswirkungen der Auswärtigen Kulturpolitik Deutschlands. Dabei wird die Funktionsweise der Kulturpolitik in Krisenregionen untersucht. Die gewonnenen Erkenntnisse werden mit anderen Politikfeldern verglichen und Handlungsempfehlungen für (kultur-)politische Entscheidungsträger entwickelt. Die Basis der Doktorarbeit sind Politikfeldanalysen sowie Studien und Fallbeispiele von Mittlerorganisationen der Auswärtigen Kulturpolitik zu den Bedingungen der politischen Kultur in Krisenregionen. Vor dem Hintergrund obiger Problemstellung soll die theoriebasierte Erforschung der Wirksamkeit der Förderung von Fremdbestimmungsprozessen über die Analyse der Anwendbarkeit kulturpolitischer Maßnahmen bei der Prävention,  Nachsorge und Lösung in von Konflikten und Krisen geprägten Staaten vornehmen. Konkret soll die Frage beantwortet werden, inwieweit Kulturpolitik einen Beitrag zur Konfliktbefriedigung sowie Demokratisierungsfähigkeit in Krisenregionen leisten kann. Zwei Kernproblemstellungen sind für die Arbeit gegeben:  Die normativ-ethische und die strategische Dimension der Auswärtigen Kulturpolitik Deutschlands. Die erste Dimension zielt auf die Verantwortung Deutschlands ab, mit welchem Zweck die Kulturpolitik verfolgt wird und nach welchen Grundsätzen diese erfolgt. Die strategische Dimension zielt auf „Effektivität und Effizienz“ der Kulturpolitik ab im Sinne auf der Basis eines wünschenswerten Friedenszustandes existierende Stärken weiter zu stärken („use it“), die Schwächen unbedeutend zu machen („bear it“) und die Defizite hin zu Stärken zu entwickeln („change it“). Der Autor erhofft sich mit der Doktorarbeit einen interdisziplinären Erkenntnisgewinn. Die Arbeit wird von Prof. Dr. Steffen Höhne betreut.

Alan Dergal Rautenberg M.A.: Zwischen Glanz, Andacht und Experiment. Eine Untersuchung der venezianischen Psalmvertonungen der Jahre 1720 bis 1770 an den vier Ospedali und San Marco


Während des 17. und 18. Jahrhunderts entwickelten sich die venezianischen Ospedali Grandi zu richtigen Zentren der musikalischen Pflege. Zusammen mit der Basilica di San Marco bildeten sie den Mittelpunkt der kirchenmusikalischen Aktivität Venedigs und zogen zahlreiche Besucher, darunter viele Musikliebhaber und -kenner aus ganz Europa an, die sich oftmals auf ihren Kultur- oder Bildungsreisen befanden. Ziel des Dissertationsvorhabens ist die Aufarbeitung einer bis jetzt wenig beachteten musikalischen Gattung der Kirchenmusik in jenen Jahren zwischen Barock und Klassik, die von einer Suche nach neuen kompositorischen, klanglichen und interpretatorischen Möglichkeiten und einer bedeutenden Änderung der Ästhetik und des Stils geprägt sind. Dabei sind die aufklärerischen Tendenzen in den experimentierfreudigen Kompositionen gerade der venezianischen Ospedali Grandi, die in einem Spannungsfeld zur Basilica di San Marco stehen, von großer Bedeutung. Festgestellt werden sollen Ähnlichkeiten und Unterschiede in Konzeption, Disposition und Stil. Ebenfalls sollen Anknüpfungspunkte der Gattung an frühere Traditionen und der stilistische Wandel während des 18. Jahrhunderts herausgestellt werden.

Die Arbeit wird von Prof. Dr. Helen Geyer betreut.
Kontakt: alan.dergal(at)

Cynthia Dretel M.A.: Rituals of Resistance: Polish Szopki in WWII Concentration Camps


are beloved Polish musical nativity puppet plays. Today, the term szopki is associated with the colorful cribs and simple folk plays in Krakow at Christmastime. Yet a heavily satirical, urban sub genre of szopki flourished in the salons and cabarets of late nineteenth-century cities like Krakow and Warsaw. By drawing on historical themes, folklore, and popular literature, this genre gave Poles living in a country partitioned by the Russian, Prussian, and Austrian Empires crucial tools to evade and subvert censorship and oppression. This subversive practice continued into the twentieth century during the World War II. Polish Catholic inmates wrote and organized performances of szopki in several Nazi concentration camps. My dissertation examines the manuscripts of several surviving szopki to investigate the complex role of resistance in the music of Polish concentration camp inmates. Through a multidisciplinary approach, my dissertation will contribute to a more nuanced understanding of the intersections of musical activities, social rituals, and resistance in World War II.

Supervisor: Prof. Dr. Jascha Nemtsov.

Heidrun Eberl M.A.: Kastraten im frühen 17. Jahrhundert


Das Dissertationsprojekt beschäftigt sich mit der Praxis des Kastratengesangs im frühen 17. Jahrhundert. Gerade das Mitwirken von Kastraten an Musiktheaterproduktionen ist für die Zeit vor der Stabilisierung der römisch-venezianischen Besetzungskonventionen um 1650 noch kaum erforscht. Erstmals sollen darum die Besetzungspraxis in der frühen Oper und die Rollenprofile der Kastratensänger ermittelt werden. Dazu werden Quellen herangezogen, die bisher kaum oder gar nicht von der Musikwissenschaft berücksichtigt wurden: Neben Paratexten von Musikaufführungen, wie Librettovorworten und Dokumenten der Kastratenanwerbung betrifft dies theologische, medizinische und juristische Traktate ebenso wie Schriften aus der zeitgenössischen Historiographie und der frühneuzeitlichen Ethnographie. Durch die Einbeziehung einer Mehrzahl heterogener Quellen können theoretische Begründungen und normative Bewertungen des Kastratengesangs miteinander verglichen und mit der zeitgenössischen Besetzungspraxis sowie den Rollenprofilen von Kastraten in Beziehung gesetzt werden. Dabei soll auch ausgelotet werden, inwiefern gerade eine ‚gegen die Ordnung der Natur‘ gewonnene, etablierte und sich allmählich verbreitende Praxis des Kastratengesangs ein Mosaikstein sein könnte für all jene Versuche, die sich mit der Rekonstruktion der historischen Herausbildung einer genuin musikalischen Virtuosität befassen.

Die Arbeit wird von Prof. Dr. Michael Klaper betreut.

Carolin Fritz-Reich M.A.: Die Oper Roland – Untersuchungen zur Stoffgeschichte und vergleichende Studien zu den Fassungen von Quinault/Lully (1685) und Marmontel/Piccinni (1778)


Das interdisziplinär angelegte Dissertationsprojekt soll einen Beitrag zur Erforschung der Tragédie lyrique, zur Untersuchung ihrer Entwicklung von den Anfängen in den 1670er Jahren bis in das späte 18. Jahrhundert hinein leisten. Hauptgegenstand ist der Textvergleich zweier französischer Opern vor dem Hintergrund einer sich wandelnden Ästhetik zur Zeit der Aufklärung, die bisher in der Opernforschung noch zu wenig beachtet wurde. Die Oper Roland (1685) zählt zu den elf Tragédies en musique, die zwischen 1673 und 1686 aus der erfolgreichen Kooperation des Komponisten Jean-Baptiste Lully mit dem Schriftsteller Philippe Quinault hervorgingen; ihre Neubearbeitung von 1778 durch Jean-François Marmontel und Niccolò Piccinni gilt als Hauptauslöser der sog. Querelle célèbre, eines bedeutenden Opernstreits um die Superiorität des italienischen oder des französischen Musikstils. Durch den Vergleich von Original und Bearbeitung soll eruiert werden, wie viel vom „Urtyp“ des französischen Opernlibrettos in der Adaption noch vorhanden ist, wie nahe sie der „klassischen“ Tragédie en musique noch steht und wie stark sich die Ästhetik der Aufklärung darin niederschlägt. Darüber hinaus wird ein größerer stoffgeschichtlicher Abschnitt der Entwicklung der Rolandsfigur in der Literatur gewidmet sein, der neue, interessante Erkenntnisse bezüglich der Entstehung einer der ersten französischen Opern und überdies zur Erforschung der Arbeitsweise des Operntexters Quinault liefern wird. Die Arbeit wird von Prof. Dr. Michael Klaper betreut.

Kontakt: carolin.fritz(at)

Thomas Grysko M.A.: Radiokunst im Spannungsfeld zweier deutscher Staaten – soziokulturelle Dimensionen einer akustisch-musikalischen Semantik an Beispielen radiophoner Kunst in DDR und BRD von 1960 bis zu Beginn der 1990er Jahre


Die Arbeit wird von Prof. Dr. Albrecht von Massow betreut.

Daisam Jalo M.A.: Die Schutzmaßnahmen gegen die kriegsbezogene Bedrohung der syrischen Musiktraditionen


Das Projekt soll einen Beitrag leisten zur Diskussion über die Bewahrung der Musiktraditionen in Syrien, die wegen des politischen Konflikts bedroht sind. Es geht hier nicht nur um Musik, sondern auch um die kulturgeschichtlichen Angelegenheiten Syriens mit allen, im Land lebenden ethnischen und religiösen Gruppen, da die traditionellen Lieder wichtiges Wissen über die Menschen, die sie aufführen, über ihre Gedanken, ihre Träume und ihre Weltanschauungen vermitteln. Wissenschaftlich ist sogar die Bewahrung der syrischen Musiktraditionen von Bedeutung, weil sie die Erforschung der Musik unter wichtigen Aspekten, wie z.B. Skalen, Intervalle usw. ermöglicht. Die Arbeit wird von Prof. Dr. Tiago de Oliveira Pinto betreut.

Christopher Klatt M.A.: Nationale Identitätskonstruktionen und Triumphlieder zum Deutsch-Französischen Einigungskrieg 1870/71


Schon während des Deutsch-Französischen Krieges 1870/71 wurde der Konflikt als konstituierendes Element einer deutschen Nation zum Gründungsmythos stilisiert und die Erinnerung daran einige Jahrzehnte im kollektiven Bewusstsein manifestiert. Begleitet wurden die Ereignisse der frühen 1870er Jahre durch eine Vielzahl an musikalischen Erzeugnissen, die durch die Bezugnahme auf das politische Geschehen und die zeitgenössischen Entwicklungen als Teil einer bürgerlichen Masseneuphorie gedeutet werden können. Das Spektrum der Kompositionen reichte dabei von trivialer Gebrauchsmusik für Männerchöre oder Marschorchester bis hin zu kunstvoll gestalteten Orchesterwerken im Gewand virtuoser Instrumentation und Harmonisierung.
Mit Gründung des Deutschen Reichs hatte sich der neue Nationalstaat zunächst noch gegen diverse oppositionelle Strömungen zu behaupten. Eine gemeinsame Identität der dem Reich angegliederten Territorien musste aufgrund fehlender Traditionen nicht nur entstehen, sondern auch konstruiert werden. Mithilfe der in der Forschung noch nicht systematisch aufgearbeiteten Triumphlieder zum Deutsch-Französischen Einigungskrieg 1870/71 soll der Versuch unternommen werden, einen Dialog mit der Geschichtswissenschaft aus musikwissenschaftlicher Perspektive anzutreten. Dabei ist zu untersuchen, wie die zeitgenössische Musik und deren mediale Inszenierung im Nationsbildungsprozess wirkte und wie sie dazu beitrug, nationale Identität bis zum Beginn des Ersten Weltkrieges zu vermitteln beziehungsweise zu konstruieren. Die Arbeit wird von Prof. Dr. Christiane Wiesenfeldt betreut.

Joachim Klein M.A.: Vom Schtetl ins Kabarett. Osteuropäisch-jüdische Unterhaltungsmusiker in der Weimarer Republik


Das Promotionsvorhaben untersucht die Rolle osteuropäisch-jüdischer Unterhaltungsmusiker in der Weimarer Republik im Rahmen folgender leitender Fragestellungen: In welcher Weise hat Migration jüdischer Musiker aus Osteuropa in die Weimarer Republik stattgefunden (qualitativ, quantitativ)? Wie gestalteten sich die Integrationsbemühungen in die deutsche Gesellschaft unter den besonderen Bedingungen der Unterhaltungskultur? Welche Auswirkungen hatte die Machtergreifung auf die Unterhaltungsmusik im Allgemeinen und insbesondere auf jüdische Popularmusiker? Haben osteuropäisch-jüdische Musiker eigene musikalische Traditionen in die Popularmusik der Weimarer Republik eingebracht, z.B. osteuropäische Folklore oder spezifisch jüdische Traditionen wie Klezmer oder synagogale Stilistik? Welche Wirkung hatte Unterhaltungsmusik auf die Weimarer und die nationalsozialistische Gesellschaft - stabilisierend, kritisch, dialektisch? Was bedeutet das für das unterhaltungsmusikalische Schaffen von jüdischen Musikern? Lassen sich daraus auch Rückschlüsse auf die deutsch-jüdische Symbiose und den Status der jüdischen Emanzipation ziehen? Welche Rolle spielte die Religion im Leben osteuropäisch-jüdischer Musiker? Die Bearbeitung dieser Fragestellungen erfolgt auf der Grundlage von Erfassung und Auswertung umfassender, bislang erst in geringem Umfang erschlossener Primärquellen wie z.B. Künstlernachlässen, Entschädigungsanträgen und Schellackplattenbeständen. Dabei wird keine lexikalische Vollständigkeit angestrebt, sondern eine Auswahl schaffender und nachschaffender Musiker aus Bereichen wie Kabarett, Revue, Salonmusik, Jazz, Schlager, Tanzmusik, Filmmusik oder Operette getroffen. Vorläufig ausgewählte Musiker sind u.a. Paul Godwin, Dajos Belá, Gitta Alpár, Bronisław Kaper, Efim Schachmeister, Mischa Spoliansky, Sam Baskini, Roman Josef Cykowski, Marta Eggerth, Jan Kiepura, James Arthur Kok, Ilja Livschakoff, Leon Monosson, Arthur Rebner, Michael Schugalté, Dimitri Tiomkin und Marek Weber. Die Arbeit wird von Prof. Dr. Jascha Nemtsov betreut.

Kontakt: joachim.klein(at)

Hannah Lütkenhöner M.A.: Zwischen Universalpoesie und Kunst-Politik. Nationalromantische Konzepte der Schauspielmusik im Deutschen Kaiserreich


Während sich die Schauspielmusik des klassisch-romantischen Zeitalters mittlerweile als Gegenstand musik- und literaturwissenschaftlicher Forschung fest etabliert hat, stellt jene des ausgehenden 19. und beginnenden 20. Jahrhunderts noch ein weitgehend unerforschtes Feld dar. Dabei brachte gerade diese Zeit eine immense Fülle an komplexen und profunden Schauspielmusiken hervor, denen als Kulminationspunkt verschiedenster ästhetischer, aber auch gesellschaftlich-politischer Anschauungen besondere Relevanz zukam. Zum einen erforderte das Zusammenspiel der verschiedenen Künste im szenischen Aufführungskontext – zumal vor dem Hintergrund des vorherrschenden Stilpluralismus der Zeit – individuelle kompositorische Lösungen. Zum anderen spielten Schauspielmusiken eine Schlüsselrolle bei groß angelegten Klassiker-Inszenierungen, im Rahmen derer deutsche Theater ihren Dichtergrößen – wie Goethe, Schiller, Kleist, aber auch Shakespeare – huldigten und sie gleichsam als geistige Urväter eines entstehenden und sich zunehmend als Weltmacht positionierenden Deutschen Reiches apostrophierten. Speziell in diesem Kontext der reichsnationalen Identitätsbildung und politischen Festkultur scheint sich eine vielschichtige Fortführung oder Reaktivierung einer nationalromantischen Ästhetik des frühen 19. Jahrhunderts abzuzeichnen, deren Untersuchung nicht nur im Hinblick auf das kulturelle Wertebewusstsein der Kaiserzeit und den musikalischen Paradigmenwechsel des Fin de Siècle, sondern auch für den interdisziplinären Forschungsdiskurs um das „Modell Romantik“ interessante Erkenntnisse verspricht.
Die Arbeit wird von Prof. Dr. Christiane Wiesenfeldt betreut.

Kontakt: hannah.luetkenhoener(at)

Luka Mukhavele: Challenges and Potentials of Mozambican Traditional Musical Instruments in Present-Day Contexts: Xizambi, Ximbvokombvoko, Xibavhani and Mbira


In the Mozambican society, pervasive modern approaches tend to marginalise the role of local music traditions, which are not catching up with the fast rate of change. 
This study is, therefore, an in-depth organological examination of the selected (Mozambican) instruments, looking into their historical, sociological/anthropological, physical, technical, acoustical, and musical aspects. The investigation of the acoustical aspects requires a laboratory, for the recording, processing and analysis of the sounds.
The research reveals a decline of vitality, viability and of interest in construction and use of local traditional instruments, due to a lack of systematized knowledge, thus, causing an irrational/unbalanced resort to imported instruments, mostly western.
Thus the project is a challenge to set new paradigms that explore the potential musicology, sociology/anthropology, organology behind traditional musical instruments worldwide; and conceptualize inclusive musical scientific and artistic approaches, founded on local traditions. Subsequently this will contribute new philosophies, theories, instruments and repertoires to the existing body of knowledge in music scholarship and arts, whereby  industrialized societies provide technical means, and the non-industrialized, source materials, most of which are largely unexplored.

Markus Oppeneiger M.A.: Der Cora/Idalide-Stoff - Die italienische Oper im Wandel


In den Jahren 1767 bis 1777 schrieb der französische Philosoph Jean-Francois Marmontel seinen Roman Les Incas ou la destruction de l`empire du Pérou. In ihm schildert er die Eroberung der peruanischen Inkareiche durch Pizarro. Die zentrale Episode des Romans ist die Liebesgeschichte zwischen dem spanischen Eroberer Alonzo und dem Inkamädchen Cora, das dazu bestimmt ist, als Sonnenjungfrau und der Gottheit geweihte Priesterin den Dienst im Tempel zu versehen. Mindestens acht Libretti und zwölf musikdramatische Werke, die Teile von Marmontels Roman zum Inhalt haben, sind uns überliefert.

Ziele der Arbeit sind:
Eine Beschreibung der in Jean-Francois Marmontels Roman enthaltenen aufklärerischen Themen, vorromantischer Inhalte und der für die Libretti relevanten Romankapitel.
Die Auffindung und Kompilierung der weit verstreuten Libretti und Partituren sowie eine Darstellung der jeweiligen, durchaus unterschiedlichen, szenischen und musikalischen Inhalte.
Eine Schilderung der historischen, politischen und gesellschaftlichen Situation der Stadt in der das jeweilige Werk uraufgeführt wurde. Ortsbezogene Inhalte finden sich in allen Libretti.
Eine Beschreibung der wichtigsten musikalischen und szenisch-dramaturgischen Entwicklungen im Zeitraum zwischen 1777, der Herausgabe des Romans und 1815, der letzten Uraufführung eines musikdramatischen Werkes.

Die Arbeit wird von Frau Prof. Dr. Helen Geyer betreut.

Kontakt: m.oppeneiger(at)
Weitere Informationen: DNT Weimar

Mirco Oswald M.A.: Das Fortwirken von Romantik-Modellen in John Williams' Musik

Man kann das Ignorieren negationsästhetischer Paradigmen als Grundvoraussetzung für die Integration und Weiterentwicklung präexistenter musikalischer Modelle sehen; ein Verfahren, welches als Wesenskriterium des filmmusikalischen Schaffens von John Williams gelten kann. Doch nicht nur auf satztechnischer Ebene findet ein integrativer Umgang mit dem Dagewesenen statt, sondern dieser wirkt auch in ästhetische Aspekten des Films fort. Satztechnische, verfahrenstechnische und ästhetische Modellbildungsprozesse mit Bezugsrahmen ‚Romantik‘ sollen in dieser Arbeit anhand von Musikstücken herausgearbeitet werden, die der Komponist über den Film hinaus für den Druck und das sinfonische Konzert vorgesehen hat. Es geht um die Frage, ob und wenn ja wie die Autoreferenzialität der Leitmotive aber auch Außenreferenzialität von Zitaten und Anklängen als Semantisierungsverfahren bezeichnet werden können, die an romantische und spätromantische Traditionen anknüpfen.

Die Arbeit wird von Prof. Dr. Christiane Wiesenfeldt betreut.

Kontakt : mirco.oswald(at)

Michael Pauser M.A.: Luigi Cherubinis geistliche Kompositionen. Eine Untersuchung im Spannungsfeld zwischen Tradition, Revolution und Restauration unter besonderer Berücksichtigung seiner Motetten, Kantaten und Instrumentalmusik


Nachdem sich in den letzten Jahren erste Arbeiten den Bühnenwerken sowie den Messen Luigi Cherubinis gewidmet haben, soll mit dem geplanten Dissertationsprojekt das reichhaltige Œuvre der geistlichen Musik des Komponisten erschlossen werden. In vielerlei Hinsicht gilt es dabei Neuland zu betreten. Ein in Italien traditionell ausgebildeter Komponist siedelte kurz vor der Französischen Revolution nach Paris über und besetzte im dortigen Musikleben schnell hochrangige Ämter. Wie ein Spiegel der Zeitgeschichte im Spannungsfeld zwischen Tradition, Revolution und Restauration liest sich zwangsläufig auch das Werk Cherubinis, der mit barocken Wurzeln die Klassik durchlebte, selbst die sog. Romantik noch erlebte und weit ins 19. Jahrhundert hinein ausstrahlte; man nannte ihn den „Vater von Beethoven, Weber, Schumann und Wagner“ und für Philipp Spitta stand er gar „Bach noch voran“. Die Rolle seiner geistlichen Musik in diesen Prozessen ist – abgesehen von den Messen – bis heute weitestgehend unerforscht. Sie könnte jedoch ein aufschlussreiches Bindeglied zwischen Kirche, Staat und Gesellschaft, zwischen nationalistischen Strömungen und den Ideen eines vereinten Europas sowie der Restauration traditioneller musikalischer Gattungen in einem vorwärtsdrängenden Zeitalter sein. Scheinbare Anachronismen und Paradoxa begegnen daher allenthalben.

Die Arbeit wird von Prof. Dr. Helen Geyer betreut.

Kontakt: michael.pauser(at)

Philipp Quiring M.A.: Das Klavierkonzert der Neudeutschen Schule


Mit dem Forschungsvorhaben wird das Schaffen für Klavier und Orchester der Neudeutschen Schule eruiert. Modellbildend fungieren hierfür die Klavierkonzerte Franz Liszts in Es-Dur und A-Dur. Wesentliche Merkmale, die sich bei Liszt aufzeigen lassen und die von mehreren Generationen an Kompositions-Schülerinnen und -Schülern adaptiert wurden, sind: ein formal freierer Umgang mit der Anordnung der Sätze; eine satzübergreifende Ausarbeitung des gleichen motivischen Materials; die Konzipierung von Überleitungen, um Sätze ineinander übergehen zu lassen; eine daraus resultierende dramaturgische Einsätzigkeit; der Einsatz eines Scherzos sowie ein sinfonischer Umgang mit dem Solopart. Die Klavierorchester-Kompositionen der Neudeutschen Schule stellen innerhalb der Gattung des Solokonzertes ein Pendant zur Sinfonischen Dichtung dar. Die zu betrachtenden Werke Liszts entstanden ab den 1830er Jahren (nachträgliche Überarbeitungen fanden zu Beginn und im späteren Verlauf seiner Weimarer Periode statt, ab 1848) und die seiner Anhänger während der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts.

Die Arbeit wird von Prof. Dr. Christiane Wiesenfeldt betreut und von der Ernst-Abbe-Stiftung Jena gefördert.

Kontakt: philipp.quiring(at)

Monika Ramsenthaler M.A.: Historische Orchesteraufstellungen und ihre Bedeutung im Kompositionsprozess


Dieses Promotionsvorhaben untersucht die Varianz historischer Orchesteraufstellungen und wird anhand von Partituranalysen und unter Berücksichtigung der Raumakustik die klanglichen Auswirkungen der jeweiligen Aufstellung verdeutlichen. Durch das Verschwinden des Basso Continuo im Zentrum wurden schier unendliche Möglichkeiten der Orchesteraufstellung denkbar. Dazu kamen der Anstieg der Orchestergrößen im 19. Jahrhundert und der Zuwachs einiger Instrumentengruppen, sodass es einer genaueren Bühnenorganisation bedurfte. Erst nach 1900 kam es zur heute üblichen Standardisierung der Sitzordnung. Die grundlegende These dieses Promotionsvorhabens ist, dass sich die Komponisten klanglich an eine bestimmte lokal oder epochal übliche Sitzordnung gebunden fühlten und diese somit direkt die Kompositionen beeinflusste. Bei anders gearteter Aufstellung würden musikalische Informationen und Effekte und damit der Gehalt der Werke verunklart.
In der Forschung wurden bisher lediglich statistisch Orchestergrößen und Sitzordnungen verschiedener Epochen und Regionen miteinander verglichen, mit Ausnahme von Einzelbetrachtungen wie etwa zu den Orchesterapparaten Beethovens und Wagners. Dieses Dissertationsprojekt erforscht erstmals umfassend die klangliche Bedeutung der Orchesteraufstellungen, die für die historisch informierte Aufführungspraxis bisher nicht fundiert untersucht zur Verfügung steht.

Die Arbeit wird von Prof. Dr. Michael Klaper betreut und mit dem Landesgraduiertenstipendium gefördert.

Kontakt: m.ramsenthaler(at)

Maximilian Rosenthal M.A.: Facetten kompositorischer Reflexion. Die Widmungen an Felix Mendelssohn Bartholdy


Die Widmung ist heute ein banaler Akt beinahe jeder Druckpublikation. Es wundert daher nicht, dass sie meist ‚unter dem Radar‘ der Wissenschaft fliegt, und so auch z.B. in modernen Editionen nur als Zeile über dem Haupttext zu finden ist – sofern sie nicht ganz weggelassen wird. Dass sie im Musikaliendruck des 19. Jh. deutlich höheren Stellenwert genoss, beweisen die opulent gestalteten Titelblätter, auf denen der Name des Widmenden meist deutlich hervorgehoben ist. Als Werbestrategie vor den Möglichkeiten medialer Verbreitung von Musik leuchtet das ein.
Als Forschungsgebiet gewinnt die Widmung in jüngster Zeit an Aufmerksamkeit, denn sie bieten eine neue Perspektive auf das Musikgeschehen des 19. Jh. Durch den öffentlichen, direkten Bezug zu einem Widmungsträger, der meist auch als eine Art geistiger Pate gedacht werden muss, spiegelt die Summe der Widmungswerke diesen Widmungsträger auf einer musikalischen Ebene wieder.
Das Ziel des Dissertationsprojekts ist es, diesen Ansatz auf Felix Mendelssohn Bartholdy anzuwenden, und herauszufinden, inwiefern die ihm gewidmeten Werke Aufschluss auf die zeitgenössische Rezeption seines Schaffens geben. Dazu sollen die Werke analytisch untersucht und über Ego- und Rezeptionsdokumente kontextualisiert werden. Die Arbeit wird von Prof. Dr. Christiane Wiesenfeldt betreut.

Ulrike Schneider M.A.: Wielands Oberon in der Vertonung von Paul Wranitzky: Studien zur Inszenierungspraxis um 1800


1780/1784 veröffentlichte Christoph Martin Wieland sein Versepos Oberon, das nach anfänglichen Schwierigkeiten beim zeitgenössischen Publikum großen Erfolg hatte und bis hin zu Webers Vertonung (1826) mehrfach für das Musiktheater bearbeitet wurde. Im Zentrum des interdisziplinär angelegten Dissertationsvorhabens steht die Vertonung des österreichischen Komponisten Paul Wranitzky (1789), die unter Goethes Intendanz (in einer Textbearbeitung von Christian August Vulpius) auch auf der Weimarer Bühne Erfolge feierte. Für Wranitzkys Vertonung richtete der Librettist Karl Ludwig Giesecke das Sujet als dreiaktiges Textbuch ein. Er griff dafür auf ein fünfaktiges Libretto (1788) der Hamburger Schauspielerin Friederike Sophie Seyler zurück, das er für die Gegebenheiten des Wiener Freihaustheaters auf der Wieden umarbeitete.  Der textanalytische Vergleich dieser Librettofassungen bildet die Grundlage für die Frage nach den regionaltypischen Unterschieden nord- und süddeutscher Inszenierungspraktiken am konkreten Beispiel dieses Singspiels.
Als überregional erfolgreich erwies sich hingegen Wranitzkys Musik, spätestens seit der Festaufführung des Oberon anlässlich der Feierlichkeiten zur Krönung Kaiser Leopolds II in Frankfurt am Main im Oktober 1790. Die Arbeit zeichnet die von Wranitzky erfolgreich verwendeten musikalischen Topoi und deren Umsetzung nach, indem sie herausarbeitet, welche Aspekte und Inhalte aus Wielands motivreicher Vorlage, die die Vermischung von Märchen und Wunderbarem an exotischen Schauplätzen ins Werk setzte, musikalischen Eingang in das Singspiel gefunden haben.  
Betreut wird die Arbeit von Frau Professor Dr. Christiane Wiesenfeldt.

Marlen Seidel M.A.: Mehrstimmige Musik des deutschen Sprachbereichs aus dem Spätmittelalter im Kontext


Die Arbeit wird von Prof. Dr. Michael Klaper betreut.

Jonathan Spindler M.A.: Facetten des Bösen in der Oper. Zur musikalischen Faktur böser Figuren und böser Kräfte in der Oper des langen 19. Jahrhunderts


Als musikalisch-darstellerische Großform ist die Oper abstrakt und künstlich, weil sie ihr Drama musikalisch verschlüsselt. Ihre musikalische Beschaffenheit entscheidet einerseits über den Typus des musikalischen Dramas aber auch im Detail über die Szenen, Handlungen, Figuren und ihren Sinn- und Motivationszusammenhang. Eine eigene, die Handlung motivierende Qualität des Bösen, als eigenständige Triebkraft auf ihre musikalische Umsetzung hin zu untersuchen, ist besonders für die Opern der Zeit nach 1800 interessant. Das französische Mélodrame ist die entscheidende Quelle und Motivation für eine neue Librettistik, die an den Kreuzungspunkten von Grand opéra, Drame lyrique, der romantischen Oper in Deutschland, Frankreich und Italien und besonders in der italienischen Oper des mittleren und späten Ottocento, einzigartige Figuren und musikalische Ereignisse der Operngeschichte hervorbringt. Das Libretto transportiert als Ausgangspunkt der dramatischen Anlage der Oper, die wichtigsten Hinweise und Belege für Szenen und Figuren, die unmittelbar mit dem Bösen im Zusammenhang stehen. Die hermeneutische Aufgabe besteht darin, der genauen Umsetzung des Librettos in der Musik nachzuspüren, und dabei nach den Mitteln zu suchen, die für die Wahrnehmung der spezifischen Bosheit der Charaktere konstituierend sind, um sie, falls möglich, gesammelt offen legen zu können. Die Arbeit wird betreut von Prof. Dr. Helen Geyer.

Kontakt: jonathan.spindler(at)

Katharina Steinbeck M.A.: Zum Paradigmenwechsel in der Musikkritik des 19. Jahrhunderts. Rezeptionsästhetische Betrachtungen anhand der Symphonischen Dichtungen Liszts


Wahrnehmung und Bewertung von Musik scheinen in der deutschen nach-revolutionären Musikästhetik des 19. Jahrhunderts von einem musikgeschichtlich sehr bedeutsamen Paradigmenwechsel geprägt. Anhand der Rezeptionsgeschichte vom programm-symphonischen Werk Franz Liszts, deren zeitliches Umfeld durch Fortführung wie auch Abwendung von der musikästhetischen Spaltung zwischen spätempfindsamer romantischer Wahrnehmungs- bzw. Gefühlsästhetik und Autonomie- bzw. Formalästhetik charakterisiert erscheint, lässt sich dieser Wandel brisant dokumentieren. Mit Blick auf die formal- und inhaltsästhetischen Momente einschlägiger wie auch unbekannter Kritiken der Symphonischen Dichtungen – Werke, innerhalb derer Liszt die reine Instrumentalmusik als romantisch-idealistischer Inbegriff des 'wortlosen Sagens' mit der Literatur zu einer neuen weltlite-rarischen musikalischen Ausdrucksform zu vereinen beabsichtigte – sollen diejenigen Kriterien aufgezeigt und im historischen Kontext seit Jahrhundertbeginn diskutiert werden, die zur Bildung der Wert- wie auch Geschmacksurteile – und damit zur Musikbeurteilung schlechthin – maßgeblich beigetragen haben. Die Herausgabe sämtlicher, noch nicht edierter Artikel und Rezensionen zu Liszts Symphonischen Dichtungen ist in einem zweiten Band geplant. Die Arbeit wird betreut von Prof. Dr. Christian Martin Schmidt.

Kontakt: katharina.steinbeck(at)

Nastasia Sophie Tietze M.A.: Inszenierte Politik und politische Inszenierung. Die Bühnenwerke Marco Marazzolis im Kontext des seicento (Arbeitstitel)


Das Dissertationsvorhaben lotet das Verhältnis von Musiktheater und Politik im seicento aus – am Beispiel des Komponisten Marco Marazzoli (1602 (?) –1662). Marazzolis von der Forschung bisher weitestgehend unbeachtete zehn Opern und Ballette sind im Auftrag verschiedener höfischer und kirchlicher Herrscher komponiert und inszeniert worden. Sie stehen alle in direktem bzw. indirekten Bezug zur damaligen politischen Situation. Die Aufführungsorte, Rom, Ferrara, Venedig und Paris, weisen unterschiedliche Voraussetzungen, Intentionen und Ansprüche in Bezug auf die Inszenierung, Repräsentation und Botschaft von Politischem auf. Dies wird – so die These – von den Librettisten, Komponisten und Szenographen bei der Komposition und Inszenierung der Bühnenwerke hinsichtlich ihrer politischen Wirkmächtigkeit berücksichtigt. Inszenierte Politik und politische Inszenierung stehen in einem komplexen Spannungsverhältnis, das es zu untersuchen gilt. Das Dissertationsvorhaben rückt einerseits die Frage ins Zentrum, welchen Anteil die Kunstschaffenden an der politischen Aussage hatten: In welchem Verhältnis stehen ihre individuellen Handlungsspielräume zur politischen Einflussnahme auf den Arbeits- und Inszenierungsprozess seitens der Auftraggeber? Andererseits soll das politische Zeremoniell, in dem die Opernaufführungen angesiedelt sind, in den Blick genommen werden. Eine vergleichende Analyse der Opern als performative Bühnenspektakel vor dem Hintergrund des jeweiligen Kontextes ermöglicht die Aufdeckung kulturpolitischer Strategien sowie politischer Implikationen im Werk und deren künstlerische Gestaltungsmittel. Neben Marazzolis autographen Partituren, die zahleiche Umarbeiten aufweisen und mittels eines textgenetischen Ansatzes erstmals ausgewertet werden sollen, wird eine Vielzahl an heterogenen Quellen einbezogen, die aus musikwissenschaftlicher Perspektive noch nicht erschlossen sind: die Korrespondenz Marazzolis und die innerhalb seines Netzwerkes (Antonio Barberini d. J., Jules Mazarin, Cornelio Bentivoglio, Anne von Österreich) ebenso wie Tagebucheinträge, Reiseberichte, Chroniken und Bildquellen. Eine Auswahl des Quellenkorpus’ inklusive einer Teiledition der Musik wird in einem digitalen Apparat als Ergänzung zur Dissertationsschrift zugänglich gemacht werden.

Die Arbeit wird von Prof. Dr. Michael Klaper betreut.

Kontakt: Nastasia.Sophie.Tietze(at)

Lina Varlemann M.A.: Arthur Chappells Konzertmanagement


Bereits im Verlauf des 19. Jahrhunderts können insbesondere in London, wo die Konzertlandschaft rein privatwirtschaftlich organisiert wurde, die Anfänge eines professionellen Konzertmanagements verzeichnet werden. Ein eindrucksvoller Repräsentant für einen der ersten professionellen Konzertmanager ist Arthur Chappell (1834 – 1904). Er leitete die 1858 und 1865 gegründeten Monday und Saturday Popular Concerts, für die er die erfolgreichsten Musiker_innen der Zeit engagierte und ihnen weitere Auftrittsmöglichkeiten in ganz Großbritannien vermittelte. Zuvor mussten sich reisende Musiker_innen selbst um die Organisation der Reise sowie ihre Engagements kümmern und gingen oftmals mit einem recht hohen finanziellen Risiko auf Tournee. Chappells Arbeit vereinfachte Konzertreisen nach Großbritannien und trug signifikant zur Professionalisierung der Konzertszene Londons in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts bei.
Ziel des Dissertationsprojekts ist die detaillierte Darstellung und analytische Untersuchung von Chappells Aktivitäten als Konzertmanager der Popular Concerts sowie seine Tätigkeiten als Künstleragent für renommierte Künstler_innen der Zeit. Daneben soll vor dem Hintergrund der sich wandelnden Konzertlandschaft Londons im Laufe des 19. Jahrhunderts die Konzertreihe und ihre dramaturgische Entwicklung sowie das Unternehmen Chappell & Co. genauer betrachtet und in die hiesige Konzertszene eingeordnet werden.

Die Arbeit wird von Prof. Dr. Christiane Wiesenfeldt betreut.

Annegret Werner M.A.: Rahmen- und Zwischenaktmusiken am Fürstlichen Hoftheater in Gera 1872–1902


Gegenstand der Arbeit ist die wissenschaftliche Aufarbeitung der Rahmen- und Zwischenaktmusik am Fürstlichen Hoftheater Gera von 1872 –1902. Ziel der Erfassung der Bühnenmusik über einen Zeitraum von 30 Jahren ist, Kontinuität und Veränderung in Abhängigkeit von verschiedenen Faktoren aufzuzeigen. Es soll sowohl die praktische Handhabung der Zwischenaktmusik im Theaterbetrieb, als auch ihre Funktionen innerhalb des Schauspiels, anhand bestimmter Werke und Zeiträume, betrachtet werden. Die Reflektion der Bühnenmusik in den Medien und im gesellschaftlichen Leben, auch über den oben genannten Zeitraum hinaus, und der Einfluss anderer Musikbereiche sind zu untersuchen. Im Vergleich zu anderen Darstellungen ist von Interesse, dass Gera, zwischen Leipzig und Weimar gelegen, keine führende deutsche Bühne und der Zeitraum am Ende des 19. Jahrhunderts liegt. Somit lässt sich das Forschungsinteresse auch mit der gesamten kulturellen Entwicklung einer kleinen Residenzstadt ohne Hofkapelle zur Industriestadt mit Hoftheater und Sinfonieorchester begründen. Dabei spielt die Rahmen- und Zwischenaktmusik am Geraer Hoftheater eine entscheidende Rolle.

Carsten Wernicke M.A.: Musik und Selbstsorge im Zeitalter der ubiquitären Verfügbarkeit musikalischer Dinge


Musik ist heute so ubiquitär wie Temperaturmessung und Beleuchtung. Sie ist nicht nur nahezu überall verfügbar, es ist auch nahezu jede Musik nahezu überall verfügbar. Diese neue Situation der Verfügbarkeit von Musik durch die Allverfügbarkeit des Soundfiles und damit ubiquitäre Zuhandensein zeitigt Veränderungen in der Lebenswelt und damit der Möglichkeiten und Phänomene der Sorge um sich sowie der Sorge um die musikalischen Dinge. In dem Dissertationsprojekt soll mithilfe von qualitativen, leitfadengestützten Tiefeninterviews und deren Auswertung im Sinne einer phänomenologisch-praxeologischen Perspektive die Dingqualitäten musikalischer Phänomene vor dem Hintergrund ihres gegenwärtigen sozialen Gebrauchs sowie die Praktiken im Umgang mit Musik und ihren Sinn sowie die Intentionen ihres Gebrauchs offengelegt werden. Zugleich wird untersucht, welche Formen des Wissens (re-)produziert werden, inwieweit der Gebrauch von Musik auf das Subjekt selbst, wie also Musik im Zeitalter ihrer Ubiquität auf die Existenz des handelnden Subjekts zurückwirkt. Letztendlich soll danach gefragt werden, wie der Hörer an sich heute in die Welt gestellt ist, wie ihm die Welt als Ganzes, wie ihm Musik, wie er Musik, wie er durch Musik der Welt und sie ihm, aber auch wie er sich selbst in Musik begegnet. Die Arbeit wird von Prof. Dr. Martin Pfleiderer betreut.

Kontakt: carsten.wernicke(at)

Abgeschlossene Promotionen und Habilitationen


  • Mukasa Situma Wafula: Investigating the aesthetics of music performances in diverse contexts: Babukusu of Western Kenya
  • Friederike Jurth: Da ideia ao Samba – Von der Idee zum Samba
  • Hyuntaek Yim: Gestaltung des modernen Jeongganbo. Strukturelle Gleichförmigkeit zwischen senkrecht geschriebenem Hangeul und modernem Jeongganbo


  • Benjamin Burkhart: Diskurs – Bild – Klang. Reaggae und Dancehall in der transdisziplinären Analyse
  • Sabine Feinen: Cristóbal de Morales und das frühneuzeitliche Magnificat
  • Harriet Oelers: Elektroakustische Musik in der DDR. Rezeption, Institutionen und Werke
  • Dorlies Zielsdorf: Die Adjuvantenkultur in Thüringen


Henrik Almon: Diskurse über Kunstmusik in Brasilien in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts (noch nicht publiziert)

Maria Behrendt: Brücken in die Gegenwelt. Romantische Aspekte im deutschen Kunstlied der 1830er Jahre

Christian Diemer: Traditionelle Musik in der Ukraine. Nationale Identität und Globalisierung (noch nicht publiziert)

Kirstin Wichern: Zur Frühgeschichte der "L'homme armé"-Messe bis zur Mitte des 16. Jahrhunderts (noch nicht publiziert)


Katharina Hoffmann: Musik und Macht. Analyse und Deutung ausgewählter Werke Luigi Nonos aus sozialphilosophischer Sicht (noch nicht publiziert)

Wolf-Georg Zaddach: Metal Militia behind the Iron Curtain. Heavy Metal als soziale und ästhetische Praxis in der DDR der 1980er Jahre


Kiril Georgiev: Das Mächtige Häuflein
Die Neue Russische Schule als soziokulturelles und als ästhetisch-stilistisches Phänomen der »1860er« Jahre in St. Petersburg (noch nicht publiziert)

Benedikt Schubert: 
Bild, Affekt, Inventio – Zur Johannespassion Johann Sebastian Bachs


Dirk Haas: Oper, Konzert und Orchester am Weimarer Hoftheater 1857 bis 1908

Franziska Müller: Wege zur Ästhetik eines Unfassbaren. Bewältigungsstrategien in der Landschaftsmalerei und der Instrumentalmusik des 18. und 19. Jahrhunderts

Susanne Spiegler: „Sozialistischer Realismus“ auf der Bühne? Zur Interpretation vokal-instrumentaler Werke Georg Friedrich Händels zu den Händel-Festspielen in der DDR

Bernhard Steinbrecher: Das Klingende im Populären – Perspektiven einer systematischen Analyse und Interpretation des Klanggeschehens in der populären Musik

Birgit Johanna Wertenson: Mythos und neue Musik. Zum Mythos als Medium des Wissenstransfers in zeitgenössischer Musik am Beispiel Orpheus & Kassandra


Carolin Bahr: Ursprung – Transfer – Transformation. Aufführungsgestalten der Grand Opéra an deutschen Hoftheatern zwischen 1830 und 1848

Stefan Menzel: Hōgaku – Traditionelle japanische Musik im 20. Jahrhundert

Dominik von Roth: Mignon und Margarete in Malerei und Musik. Ästhetische Rezeption und Fragmentierung um 1800 (noch nicht publiziert)

Julia Stadter: Der Brief als Palimpsest? Briefmotive und Bühnenbriefe in Malerei, Literatur und Musiktheater

Sascha Wegner: Vokalmusikalische Modelle in der symphonischen Instrumentalmusik des 18. und 19. Jahrhunderts. Studien zur Finalgestaltung


Melanie Kleinschmidt: „Der hebräische Kunstgeschmack“. Zur Entwicklung des Authentizitätsproblems in der deutsch-jüdischen Musikkultur

Kim Sakabasi: „Die ‚andere‘ Moderne“ um 1900. Das Zentrum Wien und die nord-westeuropäische Peripherie - historisch-systematische Untersuchungen (Studien) zur erweiterten Tonalität in Werken Gustav Mahlers, Arnold Schönbergs, Edward Elgars und Jean Sibelius


Daniel Ortuño-Stühring: Christus-Oratorien im 19 Jahrhundert. Ein Vergleich der Werke von Franz Liszt, Friedrich Kiel, Anton Rubinstein und Felix Draeseke

Christian Storch: Der Komponist als Autor. Alfred Schnittkes Klavierkonzerte im auktorialen Diskurs


Cornelia Brockmann: Instrumentalmusik in Weimar-Jena um 1800. Aufführungskontexte - Repertoire - Eigenkompositionen

Ruth Seehaber: Die "polnische Schule". Befragung eines musikhistorischen Topos


Matthias Nöther: "Singen und Sagen". Melodram, Wagner-Exegese und Pathos vor dem Horizont bürgerlichen Sprachbewusstseins in der wilhelminischen Ära


Karl Traugott Goldbach: Der tragische Schluss im deutschsprachigen Musiktheater des späten 18. Jahrhunderts

Knut Holtsträter: Kompositionsstrategien Mauricio Kagels – Narration, Sammeln und Intermedialität. Ästhetische und poetologische Überlegungen zu Mauricio Kagels musikalischem Werk

Philipp Schäffler: Die Idee der Bildung im Schaffen von John Cage (1912–1992)


Nina Noeske: Musikalische Dekonstruktion. Neue Instrumentalmusik in der DDR


Beate Schmidt: „Alles Andere kommt von den Göttern“. Zur dramaturgischen Funktion der Musik in Goethes Faust I und zeitgenössischen Schauspielmusiken

Christoph Sobanski: Untersuchungen zur ‚Méthode des méthodes de Piano’ von François Joseph Fétis und Ignaz Moscheles


Christoph Meixner: Das Musiktheater in Regensburg im Zeitalter des Immerwährenden Reichstages

Thomas Radecke: Theatermusik – Musiktheater: Shakespeare-Dramen auf deutschen Bühnen um 1800


Matthias Tischer: Ferdinand Hand – Impresario, Ästhetiker, Dilettant. Ein Beitrag zur Inhaltsästhetik im deutschsprachigen Raum in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts


Wieland Meinhold: Das Wirken Carl Steinhäusers in Mühlhausen - Ein Exempel für das Berufsbild Thüringischer Lehrerkantoren im 19. Jahrhundert


Kathrin Hirschinger: Versuch einer psychoanalytischen Betrachtung der Persönlichkeitsstruktur von Richard Wagners Tristan-Figur im Lichte existenzphilosophischer Aspekte Martin Heideggers


Gabriele Hofmann: Das Tristan-Syndrom: Die Wunde des Geworfenen